"Disonancias" e "Introducción a la sociología de la música"

En “Disonancias” e “Introducción a la sociología de la música” Adorno expone sus consideraciones sociológico-musicales sobre las que desarrolló su filosofía sobre la nueva música. En ambos escritos, el filósofo expone su visión sobre las transformaciones sufridas por la música ante la pujanza de la sociedad industrial y de masas, así como la posición que debe adoptar el músico ante tales cambios.

"Disonancias" 

"Introducción a la sociología de la música"

Theodor Adorno

Akal, 2009

ISBN: 978-84-460-1682-3

"Conversaciones con Glenn Gould"

La voz intensa y erudita de Gould, resucitada en estas páginas, nos convence de que, incluso llevadas al extremo, sus ideas eran fruto de una reflexión concienzuda y estaban sólidamente ancladas en su experiencia artística

Glenn Gould (1932-1982), uno de los músicos más personales y carismáticos del siglo XX, se sentaba al piano usando una silla de madera paticorta y, a pesar de interpretar a Bach, a Beethoven o a Mozart a un tempo endiablado, lo hacía con meridiana claridad. Célebre no sólo por su talento musical sino también por su comportamiento errático, Gould canturreaba durante los conciertos y se presentaba sobre el escenario vestido con un frac sin planchar, mitones y abrigo. En 1964, en el apogeo de su polémica carrera, abandonó totalmente los escenarios para centrarse en sus escritos y en sus grabaciones. Reducir el enigma de Glenn Gould a Bach y a las Variaciones Goldberg sería obviar muchas de las facetas de este personaje que nos invitó a redescubrir la música para piano. Si alguien ha cambiado la manera de entender la música durante el siglo XX, ese ha sido, indudablemente, Glenn Gould. Alérgico, entre muchas otras cosas, al contacto con sus congéneres y a exhibirse sobre un escenario, Gould se entrega en estas páginas, por mediación de uno de sus fetiches, el teléfono, a un juego de preguntas y respuestas que recorre su universo particular, desde Gibbons a Strauss pasando por Brahms y Wagner, de su pasión por la radio a la convivencia contra sus diferentes Doppelgängers. Han pasado 25 años desde que el pianista cumpliera su promesa de tocar el piano cuando contara 50 años. Y lo hizo, no sin cierta rotundidad, muriendo, pero ¿qué mejor opción para quien había rechazado cifras astronómicas durante los años setenta por volver a un escenario? El autor y poeta Jonathan Cott, considerado por el Washington Post como "el entrevistador ideal", fue una de las pocas personas a las que Gould concedió una entrevista. Cott habló con Gould en 1974 para Rolling Stone. Tras la muerte del pianista, Cott recopiló estos materiales, añadió una introducción, una selección fotográfica, una lista del repertorio grabado por Gould, una filmografía y un listado de los programas que Gould hizo para radio y televisión. Muchas son las voces, y entre ellas la de su protagonista, que consideran Conversaciones con Glenn Gould, esta apacible charla en la que Gould habla, entre otros temas, de su predilección por Orlando Gibbons, Richard Strauss o Petula Clark (y del horror que le provocan las sonatas para piano de Mozart o los Beatles), como la mejor entrevista jamás concedida por Gould, y una de sus apariciones más notables.

"Conversaciones con Glenn Gould"

Jonathan Cott

Global Rhythm, 2007

ISBN: 9788493541231

"Los géneros musicales y la cultura de las multinacionales"

Este libro explora el funcionamiento de la industria musical siguiendo la relación, a menudo complicada, entre las multinacionales del ocio y los artistas que contratan. Keith Negus examina las estrategias opuestas de compañías tan importantes como Sony y Universal a la hora de administrar diferentes géneros, artistas y empleados, y se enfrenta a varios mitos de la cultura de las multinacionales. ¿Cómo afectan las compras de las compañías al tratamiento de los artistas? ¿Por qué PolyGram era considerada demasiado europea para atraer a los artistas norteamericanos? ¿Por qué y cómo intentó EMI Records cambiar su cultura empresarial? 

A través del estudio de tres géneros fundamentales --rap, country y salsa-- Negus investiga por qué la industria musical reconoce y recompensa ciertos sonidos, y cómo influye eso tanto en la creatividad de los músicos como en su público. También analiza por qué algunos artistas son objeto de una gran promoción internacional mientras que otros no, y cuál es el trayecto que siguen algunos sonidos para llegar a ser etiquetados como "música del mundo". 

A partir de una exhaustiva investigación llevada a cabo en Gran Bretaña, Estados Unidos y Japón, y también de entrevistas con los empleados de la industria musical, el libro muestra cómo las compañías discográficas y las estrategias empresariales de las multinacionales condicionan la creación, la circulación y el consumo de la música popular, pero concluye que ésta, como parte de una cultura más amplia, jamás podrá someterse al control absoluto de las grandes multinacionales.

"Los géneros musicales y la 

cultura de las multinacionales"

Keith Negus

Paidós, 2005

ISBN: 9788449317881

"Proust músico"

“La mayoría de los lectores de Marcel Proust quedan impresionados por los sensacionales fragmentos sobre música que salpican En busca del tiempo perdido, así que al admirador y al lector no profesional de Proust debe de resultarle una sorpresa considerable que ni ‘la frasecita de Vinteuil’ ni el Septeto de Vinteuil hayan sido identificados nunca como una pieza musical de verdad, y más aún no haberla oído nunca. Un libro interesante, Proust músico, del musicólogo canadiense francófono Jean-Jacques Nattiez, analiza en detalle lo que para mí siempre ha sido una tesis muy convincente: que la música desempeña tal vez el papel individual moldeador y formativo más importante que cualquier otra de las artes en la novela de Proust.”

Edward Said.

Elaboraciones musicales.

"Proust músico"

Jean-Jacques Nattiez

Gourmet Musical Ediciones, 2009

ISBN: 978-987-25614-1-3

"Eramos unos niños"

Fue el verano en que murió Coltrane. "Los hippies alzaron sus brazos vacíos y China hizo detonar la bomba de hidrógeno. Jimi Hendrix prendió fuego a su guitarra en Monterrey". Fue el verano del amor. Y en aquel clima cambiante e inhóspito, un encuentro casual cambió el curso de mi vida: fue el verano en que conocí a Robert Mapplethorpe. Sucedió en el mes de julio de 1967 y eran unos niños, pero a partir de entonces Patti Smith y Robert Mapplethorpe sellaron una amistad que solo acabaría con la muerte del gran fotógrafo, en 1989. De eso habla este espléndido libro de memorias, de la vida en común de dos artistas, los dos entusiastas y apasionados, que cruzaron a grandes pasos la periferia de Nueva York para llegar hasta el centro neurálgico del nuevo arte. Fue así como acabaron instalándose en el hotel Chelsea y se convirtieron en los protagonistas de un mundo hoy ya perdido donde reinaban Allen Ginsberg, Andy Warhol y sus chicos, y se creaban las grandes bandas de música que marcaron los años fi nales del siglo XX, mientras el sida hacía estragos. Lejos de ser un libro triste y nostálgico, Éramos unos niños es un homenaje a la amistad sin trabas, y sus páginas cargadas de vitalidad y humor nos devuelven el sabor de esa gran ciudad donde hubo un tiempo en que casi todo era posible.

"Eramos unos niños"

Patti Smith

Lúmen, 2010

ISBN: 9788426414052

"Música y modernidad en Buenos Aires 1920-1940"

La historia cultural de las décadas de 1920 y 1930 en la Argentina ha sido ampliamente estudiada desde la literatura, las artes visuales, la política o la historia de las ideas, pero poco se conoce acerca de la rica y variada actividad musical del período y su interrelación e influencia en otros campos. Momentos significativos de estos años, como los debates musicales en las revistas de los grupos de Florida y Boedo, las polémicas de Juan Carlos Paz en los periódicos anarquistas, la actividad de la Asociación Amigos del Arte, los festejos locales por el centenario de Beethoven, la vida musical de Victoria Ocampo y Sur, el directorio “vanguardista” del Teatro Colón, neoclasicismo y objetividad en la música argentina de la década de 1930, la Escuela de Viena en Buenos Aires, la música en el Congreso Eucarístico, la visita de Stravinsky y las relaciones entre música y política conviven en esta lúcida investigación de un período clave de la historia cultural argentina.

"Música y modernidad en

 Buenos Aires 1920-1940"

Omar Corrado

ISBN 978-987-22664-8-6

Gurmet Musical

"La historia del Tango Nª 20"

Idea, realización y edición por Guillermo Gasió. Testimonios sucesivos de: Julio Dupláa, Graciela González, Pedro Calveyra y Nora Robles, Pablo Ziegler, Tomás Gubitsch, Miguel Ángel Zotto, Alfredo Tape Rubin, La Chicana (Dolores Solá; Acho Estol), Milena Plebs, Guillermina Quiroga, Omar Viola, José Garófalo, Julián Peralta, Fernando Otero, Ramiro Gigliotti, Leonardo Cuello, Ariel Ardit, Vanesa Quiroz, Luis Solanas, Cecilia Troncoso, Horacio Godoy , Orquesta Típica Fernández Fierro, 34 Puñaladas, Elina Roldán, Johana Copes, Pablo Mainetti, Horacio Romo, Luz Valbuena, Alicia Muñiz, Luis Calvo.

"La historia del Tango Nª 20"

Guillermo Gasió (Comp.)

ISBN: 9789500519434

Ediciones Corregidor, 2011

"Bob Marley. La biografía clásica del mito del reggae Bob Marley"

A más de un cuarto de siglo de su muerte, la estatura de Bob Marley como superestrella del reggae e icono de la cultura pop sólo ha hecho que crecer. La biografía definitiva de Timothy White traza un retrato duradero del hombre y su época, y hace que los lectores profundicen en la vida del célebre músico.

"Bob Marley. La biografía clásica 

del mito del reggae Bob Marley"
Timothy White
ISBN: 978-84-96222-78-6

Robin Book

"Sid Vicious. El ícono salvaje del punk"

La historia de un personaje que junto a su grupo los sex pistols se conviertío en la imagen máxima del punk mundial y en un auténtico fenómeno de la cultura rock. Probablemente el libro mejor y más completo sobre el tema que se ha publicado.


El viejo registro de clases de la escuela primaria Soho Parish tiene una nota en el margen que dice que John Simon Ritchie, de cinco años, llegó solo al colegio en su primer día de escuela en septiembre de 1962. De alguna manera fue un comienzo apropiado para la vida desenfrenada y conflictiva de Sid Vicious. Lo fundamental de esos veintiún años se sabe de sobras -abandona la escuela de Arte; madre yonqui; «bajista» de Sex Pistols; la media naranja de Nancy Spungen; su propia sobredosis mortal el 2 de febrero de 1979- pero lo que Alan Parker aporta es una buena
cantidad de nuevos datos con respecto a las muertes de Sid y Nancy, muchos de ellos conseguidos a través del Departamento de Policía de Nueva York y de amplias entrevistas con Anne Beverley, la madre de Sid, con quien Parker vivió durante un tiempo antes de que ella se suicidara en 1996.

"Sid Vicious. El ícono salvaje del punk"

Alan Parker

ISBN: 978-84-96924-42-0

Ma Non Troppo

"Diarios de Bicicleta"

Desde hace treinta años, David Byrne se mueve por Nueva York en su bicicleta. Y cuando viaja por el mundo para dar un concierto, grabar un disco o montar una instalación, añade a su equipaje una bicicleta portátil. Y siempre procura tener tiempo para perderse pedaleando por las callejuelas de cada ciudad.

Sus Diarios de bicicleta son postales urbanas llenas de color y música. Notas sueltas sobre barrios, edificios, galerías, bares, calles, monumentos, prostíbulos, puentes, casas, parques, además de bocetos ágiles de los habitantes de es¬tos rincones. Denver desolado; Berlín escondiendo la sordidez en su fanatismo de orden; suburbios que veneran el shopping, arquitecturas desalmadas; manantiales de creatividad. El artista medita sobre la censura, la memoria, los estereotipos, la violencia. Apuntes sobre el arte y la música de cada vecindario visitado. Las estampas que dibuja son también un discreto alegato a favor de la ciudad. Byrne sabe bien que el cemento, el vidrio y la piedra (para invocar otra canción suya) nos esculpen. Las calles, los barrios, los árboles en las veredas, las glorietas nos dan forma. Byrne disfruta de los numerosos sabores de lo urbano: el anonimato que permiten las grandes concentraciones y la intimidad de ciertos barrios. El trazo caminable y cierto desorden excitante, incluso el peligro que acelera la sangre. Ciudades vivas, sensibles, en movimiento. Observar una ciudad, involucrarse en ella es uno de los grandes gozos de la vida. Es parte, dice Byrne, de lo que significa ser humano.

El líder de Talking Heads es también director de cine ocasional, artista multimedia, escritor y fotógrafo, destacado promotor del ciclismo urbano, cosa que queda de manifiesto en este libro, un conjunto de crónicas donde plasma su personal visión de una serie de ciudades vividas al particular ritmo de la bicicleta. Byrne vive en Nueva York, y recientemente ha añadido nuevas rutas en sus paseos por la Gran Manzana.

Alejado de las guías turísticas convencionales, Byrne es un viajero empedernido que un buen día descubrió que podía conocer el lado B de las ciudades con la ayuda de una bicicleta plegable, elemento que hoy lo acompaña en todas sus giras y que ha permitido que salga a la luz un conjunto de observaciones tremendamente lúcidas sobre la vida urbana de sitios tan disímiles como Estambul, Buenos Aires, Manila o Los Ángeles.

"Diarios de Bicicleta" 

David Byrne 

ISBN: 9789876580762


Mondadori

"El ruido eterno. Escuchar al siglo XX a través de su música"

Un esperado libro que narra la apasionante historia del siglo XX a través de su música.

Ésta es la historia del siglo XX a través de su música, desde la Viena de antes de la Primera Guerra Mundial hasta el París de los años 20; desde la Alemania de Hitler o la Unión Soviética de Stalin al Nueva York de los años 60. Transportando a los lectores por el laberinto del sonido moderno, Alex Ross nos descubre las conexiones entre los acontecimientos más importantes y los compositores más infl uyentes, hombres que se rebelaron contra el culto al pasado clásico, lucharon contra la indiferencia del gran público y desafi aron a dictadores. Alex Ross ha firmado un libro imprescindible sobre un tiempo fascinante, caótico y ruidoso.

"El ruido eterno. Escuchar al siglo XX 

a través de su música"

Alex Ross
ISBN: 9788432209130


Seix Barral

"El sello que Coltrane impulsó"

Entre los acelerados cambios y estímulos de los años 1960 y los años 70, Impulse Records representó y marcó el sonido de la tradición del jazz y la esencia misma de su futuro - afilado, emotivo y de elegante envoltorio. Con una lista encabezada por John Coltrane y que también cuenta con nombres de la talla de Sonny Rollins, Carlos Mingus, Duke Ellington y Keith Jarrett entre muchos otros, Impulse ha sido una de los sellos más significativos, innovadores e influyentes en la historia de la música grabada. En El sello que Coltrane impulsó, Ashley Kahn relata la historia completa de esta excepcional y fascinante empresa, siguiendo el curso de sus cerca de casi dos décadas de triunfos artísticos e insólitos éxitos comerciales. Valiéndose de una exhaustiva investigación en archivos y de sus reveladoras entrevistas con más de cincuenta músicos, ejecutivos de la industria y algunos de los productores que hicieron posible el milagro, El sello que Coltrane impulsó desgrana las historias íntimas de algunas de las grabaciones de jazz más importantes de todos los tiempos. Una obra ciertamente indispensable para todos los interesados en la historia del jazz del siglo XX. La obra también incluye ilustraciones y fotografías, así como treinta y seis portadas de álbumes que detallan la historia de algunas de las mejores grabaciones del jazz de todos los tiempos.

"El sello que Coltrane impulsó"

Ashley Kahn
ISBN: 9788493448776


Global Rhythm

"Ginastera en el Instituto Di Tella. Correspondencia 1958-1970"

“Fui alumno de Ginastera primero, su ayudante en la Universidad Católica después, y luego, en el Di Tella, estuve encargado de varias cosas, siendo algo así como un profesor adjunto pero sin un título especial.
La idea de Ginastera para el Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales (CLAEM) era traer becarios de toda Latinoamérica. Hizo llamar a un concurso en el que se elegía a doce, quizás por la vocación mesiánica de Ginastera, personas con la más vigorosa formación musical, con el objetivo de actualizarlos en lo que era la creación musical contemporánea de ese momento. Los becarios residían por dos años en Buenos Aires, y a muchos de ellos se les abrió la cabeza totalmente. A algunos para bien, a otros para mal, porque las consecuencias del Di Tella son muy ambiguas.
El CLAEM fue en gran parte obra de Ginastera, y fue una obra trascendente porque en buena medida Ginastera se atrevió a ir incluso más allá de sus inclinaciones o gustos personales. Me interesa destacar que Ginastera fue un hombre muy generoso, que supo albergar las más creativas tendencias de ese tiempo, aunque él no las compartiera.”

Gerardo Gandini

“El libro de Laura Novoa es consecuencia de un trabajo esforzado y dedicado en el transcurso de un extenso período. Su autora prácticamente “desempolvó” un archivo que permanecía vedado, probablemente por simple indiferencia. Pero el mérito de su autora es haber valorado un momento histórico en el desarrollo de la música en el país y hacer accesible a un público general valiosos documentos, ampliados con útiles comentarios aclaratorios. En suma, las cartas reunidas en este volumen significan un aporte original que sin duda abrirá nuevas perspectivas para entender la proyección del Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales en la evolución de la producción musical en América Latina.”

Francisco Kröpfl

"Ginastera en el Instituto Di Tella. Correspondencia 1958-1970"

María Laura Novoa (Comp.)

Biblioteca Nacional 

ISBN: 978-987-1741-11-3+

Compilación, estudio preliminar y notas María Laura Novoa

Prólogos Gerardo Gandini y Francisco Kröpfl

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Laura Novoa es licenciada en Artes y Doctoranda en Historia del Arte (UBA). Egresada del Conservatorio Nacional de Música “Carlos L. Buchardo”. Investigadora del Instituto de Teoría e Historia del Arte “Julio E. Payró” (UBA) donde desarrolla estudios vinculados con la música argentina en los años sesenta y sobre el Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales. Es también docente en el IUNA y becaria de formación de posgrado de la UBA. En el 2009 obtuvo una beca del Fondo Nacional de las Artes y de la Andrew W. Mellon Foundation en el 2010. Participó en diversos proyectos de investigación PNUD, UBACYT, IUNA. Actualmente es integrante de un proyecto FONCYT dedicado a la música contemporánea argentina.

"Rolling Stoned"

Andrew Loog Oldham tenía diecinueve años cuando descubrió y se convirtió en manager y productor de una banda desconocida llamada The Rolling Stones. Sus ideas, en las que convivían la verdad del cine y el glamour de la moda entre otros materiales inflamables, fueron las que llevaron a un puñado de chicos sin un peso, que tocaban blues en el sur de Londres, hasta la mismísima cumbre del mundo del rock. Adicto a la fama tanto como a la innovación, Oldham condujo a Jagger, Richards y compañía durante sus años más productivos y salvajes, en el marco de una década, la de los 60, que dejó rastros indelebles y un puñado generoso de historias enloquecidas que encuentran en este libro al mejor narrador posible: el mito que vivió para contarlo todo, con insensatez y sentimientos.

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Andrew Loog Oldham nació en enero de 1944 y dos décadas más tarde ya se había dejado influir y a su vez había influido en los nombres que aún hoy sostienen el santo altar del rock y el pop: Brian Epstein, Los Beatles, Phil Spector y Los Rolling Stones. A estos últimos los descubrió y los produjo durante largos y fructíferos años, y no es en absoluto temerario afirmar que los Stones que conquistaron el mundo le deben muchísimo a Oldham. Como si no hubiese tenido suficiente, por aquella época también capitaneó un sello en el que grabaron nombres muy grandes (Humble Pie, Small Faces, Fleetwood Mac, John Mayall, The Nice), y décadas más tarde trabó relación con la Argentina, al trabajar con Ratones Paranoicos y Charly García. Actualmente vive en Bogotá, Colombia.

"Rolling Stoned"

Andrew Loog Oldham

ISBN 9789876580823

Mondadori

432 páginas