sábado, 9 de febrero de 2013

Menú 09 de febrero


Entrada: El corazón es una cazador solitario. Carson McCullers
Vino de la casa: Diarios 1925-1930.  Virginia Woolf
Plato principal: Traer al mundo el mundo Objeto y objetividad a la luz de la diferencia sexual. Diótima
Postre: Los desposeídos. Una utopía ambigua. Úrsula K. Le Guin


El corazón es una cazador solitario
Carson McCullers
Seix barral, 2008
ISBN: 9789507315688


Escrita con tan sólo veintitrés años, El corazón es un cazador solitano (The Heart is a Lonely Hunter, 1940) fue la primera novela de Carson McCullers y dio a conocer la magnitud de su talento. Centrada en el ambiente de una pequeña ciudad sureña y en un grupo de personas que —en torno a la figura emblemática del sordomudo John Singer, el personaje más conseguido de esta genial autora— tienen en común la esencial soledad, su marginalidad y el rechazo de una sociedad que los ignora, El corazón es un cazador solitario es ya un clásico de la narrativa contemporánea.

Leyendo El corazón es un cazador solitario el lector no puede evitar implicarse con cada uno de sus personajes y vibra ante la experiencia de seguir a Carson McCullers en su viaje por las profundidades del alma humana. Esta pieza maestra justifica sobradamente las palabras que Graham Greene escribió acerca de su autora: «Carson McCullers y quizá William Faulkner son, tras la muerte de D. H. Lawrence, los únicos escritores con una sensibilidad poética original. Prefiero Carson McCullers a William Faulkner porque escribe de modo más claro; la prefiero a D. H. Lawrence porque no tiene mensaje.»






Diarios 1925-1930
Virginia Woolf
Ediciones Siruela, 1993
ISBN: 978-84-7844-698-8


Escritos con honestidad, agudeza y sentido de la inmediatez, los diarios de Virginia Woolf hacen aflorar esa corriente de vida que fluye incontenible detrás de sus novelas. «Yo utilizo a mis amigos más bien como lámparas: veo que ahí hay otro campo: con tu luz. Allí, una colina. Ensancho mi paisaje», nos dice, y sus palabras nombran también y dan sentido a la lectura de estas páginas. La luz de la escritora se vierte sobre los espacios, su ingenio y clarividencia iluminan ya un suceso menor en el curso de la noche –alguien robó su bolso–, ya los grandes hitos de su obra literaria. «Digo que estoy escribiendo Las olas siguiendo un ritmo, no una trama», leemos, o bien: «Orlando es un libro muy rápido y brillante, sí, pero no intenté explorar». Este volumen abarca íntegramente el período de tiempo comprendido entre 1925 y 1930. Virginia Woolf alcanzó entonces su plena madurez como escritora, consiguió una posición segura y respetada en el mundo de las letras y participó de una agitada vida social. Pese a todo, día a día siguió consignando la impresión que le causaban escritores como W. B. Yeats, H. G. Wells o Thomas Hardy, su amor por Vita Sackville-West y el de Ethel Smith por ella, sus lecturas, sus empeños, las franjas más inaprensibles de su intimidad.







Traer al mundo el mundo
Objeto y objetividad a la luz de la diferencia sexual
Diótima
Icaria Editorial, 1996
ISBN: 9788474262759


Poner el mundo a la luz de la experiencia femenina, de nuestra experiencia. Ver verdaderamente el mundo es una consecuencia interna desde los inicios de ese pensamiento de la "diferencia sexual", que constituye el principio de las investigaciones filosóficas del grupo de mujeres de la librería de Mujeres de Milán.





Los desposeídos. Una utopía ambigua
Úrsula K. Le Guin
Ediciones incógnita, 2011


Hay libros que se quedan dentro de uno y no hacen sino crecer. La ciencia-ficción es un arma arrojadiza contra lo establecido, es la culminación de la literatura como arte subversivo sin renegar de la plenitud de ninguna de sus dos condiciones; ni a la de arte ni a la de subversión. Y títulos como Los desposeídos no hacen sino confirmarlo.

Los desposeídos supone un paso más en la ciencia-ficción política porque, si bien libros como 1984, Un mundo feliz o Fahrenheit 451 son novelas de denuncia social, esta obra llega a plasmar el ideal al que las anteriores aspiran: en ella se plantea un modelo tangible y asentado de sociedad anarquista que se enfrenta abiertamente al capitalismo, fundamentalmente, pero también al comunismo de estado.

La escritora nos presenta a Urras, un planeta donde conviven varios regímenes, sobresaliendo el capitalista, y que, dos siglos atrás, expulsó a los anarquistas a su luna, Anarres. Allí, los libertarios construyeron una sociedad ácrata que se mantiene aislada pero estable. El conflicto de la novela surge cuando un habitante de Anarres, el científico Shevek, viaja hasta Urras para tratar de impulsar la comunicación entre ambos planetas.

A pesar de este apetitoso planteamiento, la novela debe tener una buena ejecución para que el libro no se quede tan sólo en buenas ideas. Y Le Guin también ahí supera las expectativas.

La obra se articula en dos líneas temporales, una anterior en el tiempo a la otra, que convergen al final. La primera de ellas nos cuenta la vida de Shevek en Anarres, el planeta anarquista y la segunda, su estancia en Urras. Esta alternancia de espacios va enriqueciendo nuestra visión progresivamente y con mucho cuidado, pues cada capítulo (dedicado a un planeta) se centra en un aspecto concreto de los personajes y/o de la sociedad. Es una estructura muy clara y efectiva.

El agudo análisis de Le Guin desmonta todo posible maniqueísmo, dotando al conjunto de una gran credibilidad. Los personajes de la novela son tremendamente complejos y ricos. En ese sentido, la figura de Shevek es una de las aportaciones más memorables. Este físico es el prisma por el que Le Guin transmite su discurso. Apoyándose en su contradictorio individualismo, la escritora construye un protagonista de gran atractivo y solidez. Asimismo, la novela guarda una inmensa galería de personajes estupendamente trabajados, tanto principales como secundarios. La dedicación con la que está tratada toda la obra también se aprecia en este aspecto.

La proyección de Los desposeídos es enorme; podemos incidir en los aspectos políticos, sociológicos o psicológicos del libro, puesto que su implicación en estos ámbitos es muy grande. No en vano, admite dos lecturas: una como obra de reflexión práctica anarquista y otra como novela de choque entre dos sociedades.

La primera se basaría en el elaborado retrato que se realiza de la civilización ácrata. Al mostrarnos plasmaciones reales de las teorías libertarias, el texto sirve de discusión y debate entre los anarquistas. Su máxima aportación, a este respecto, es el presentar este modelo como un sistema vivo, con deficiencias e incoherencias, que realzan la credibilidad de ese mundo. Es por ello por lo que el subtítulo del volumen es Una utopía ambigua; porque Anarres no es un sistema perfecto.

Los desposeídos como obra de choque entre dos civilizaciones se apoya en la perplejidad, en el extrañamiento. Le Guin recoge la incomprensión de los habitantes de uno u otro planeta respecto a su vecino. En ese sentido, es especialmente reseñable la que siente el anarquista hacia el capitalista, aspecto en el que la escritora no tiene referentes. El resultado exige un tremendo esfuerzo de empatía por parte del lector, pero es sumamente gratificante.

La novela es una exhortación a la autocrítica, al inconformismo, a poner el tela de juicio nuestras convicciones y lo establecido. Así mismo, es una abierta apología del anarquismo. Pero a un anarquismo consecuente, crítico, continuamente revolucionario.

Los desposeídos es una lectura maravillosa. Cada expresión, cada gesto, es un pequeño botón de muestra que nos revela cómo es cada civilización. Cada frase está pensada y escogida con paciencia y sabiduría, para que no haya nada indispensable y todo sea trascendente. Es una novela para degustar pausadamente, con la mente despejada.

Después de leer Los desposeídos, después de contemplar Anarres, nos damos cuenta de que la utopía aún es posible. Absolutamente indispensable.

Alberto García-Teresa





jueves, 7 de febrero de 2013

Menú 07 febrero





Entrada:  "Conversaciones con Glenn Gould" Jonathan Cott

Vino de la casa: "Escritos sobre Wagner" Friedrich Nietzsche


Plato principal: "Disonancias" e "Introducción a la sociología de la música" Th. W. Adorno

Postre: "Los géneros musicales y la cultura de las multinacionales" Keith Negus

"Mi experiencia en la música popular me
dice que los períodos de repetición y
falta de experimentación son el
fiel reflejo del tipo de administración
que tenemos en Washington. Ahora
 la música es tan conservadora
como Ronald Reagan"

Frank Zappa

"Disonancias" e "Introducción a la sociología de la música"

En “Disonancias” e “Introducción a la sociología de la música” Adorno expone sus consideraciones sociológico-musicales sobre las que desarrolló su filosofía sobre la nueva música. En ambos escritos, el filósofo expone su visión sobre las transformaciones sufridas por la música ante la pujanza de la sociedad industrial y de masas, así como la posición que debe adoptar el músico ante tales cambios.
"Disonancias" 
"Introducción a la sociología de la música"
Theodor Adorno
Akal, 2009
ISBN: 978-84-460-1682-3

"Conversaciones con Glenn Gould"

La voz intensa y erudita de Gould, resucitada en estas páginas, nos convence de que, incluso llevadas al extremo, sus ideas eran fruto de una reflexión concienzuda y estaban sólidamente ancladas en su experiencia artística

Glenn Gould (1932-1982), uno de los músicos más personales y carismáticos del siglo XX, se sentaba al piano usando una silla de madera paticorta y, a pesar de interpretar a Bach, a Beethoven o a Mozart a un tempo endiablado, lo hacía con meridiana claridad. Célebre no sólo por su talento musical sino también por su comportamiento errático, Gould canturreaba durante los conciertos y se presentaba sobre el escenario vestido con un frac sin planchar, mitones y abrigo. En 1964, en el apogeo de su polémica carrera, abandonó totalmente los escenarios para centrarse en sus escritos y en sus grabaciones. Reducir el enigma de Glenn Gould a Bach y a las Variaciones Goldberg sería obviar muchas de las facetas de este personaje que nos invitó a redescubrir la música para piano. Si alguien ha cambiado la manera de entender la música durante el siglo XX, ese ha sido, indudablemente, Glenn Gould. Alérgico, entre muchas otras cosas, al contacto con sus congéneres y a exhibirse sobre un escenario, Gould se entrega en estas páginas, por mediación de uno de sus fetiches, el teléfono, a un juego de preguntas y respuestas que recorre su universo particular, desde Gibbons a Strauss pasando por Brahms y Wagner, de su pasión por la radio a la convivencia contra sus diferentes Doppelgängers. Han pasado 25 años desde que el pianista cumpliera su promesa de tocar el piano cuando contara 50 años. Y lo hizo, no sin cierta rotundidad, muriendo, pero ¿qué mejor opción para quien había rechazado cifras astronómicas durante los años setenta por volver a un escenario? El autor y poeta Jonathan Cott, considerado por el Washington Post como "el entrevistador ideal", fue una de las pocas personas a las que Gould concedió una entrevista. Cott habló con Gould en 1974 para Rolling Stone. Tras la muerte del pianista, Cott recopiló estos materiales, añadió una introducción, una selección fotográfica, una lista del repertorio grabado por Gould, una filmografía y un listado de los programas que Gould hizo para radio y televisión. Muchas son las voces, y entre ellas la de su protagonista, que consideran Conversaciones con Glenn Gould, esta apacible charla en la que Gould habla, entre otros temas, de su predilección por Orlando Gibbons, Richard Strauss o Petula Clark (y del horror que le provocan las sonatas para piano de Mozart o los Beatles), como la mejor entrevista jamás concedida por Gould, y una de sus apariciones más notables.

"Conversaciones con Glenn Gould"
Jonathan Cott
Global Rhythm, 2007
ISBN: 9788493541231

"Escritos sobre Wagner"

Este volumen reúne por vez primera en castellano, traducidos a partir de la edición crítica de sus Obras completas preparada por G. Colli y M. Montinari, los cuatro escritos que F. Nietzsche dispuso para la imprenta y dedicó a la obra y la persona de R. Wagner. No es frecuente que lleguen a ser grandes amigos y que mantengan un fértil diálogo de privilegiada intimidad -como el que tuvo lugar entre el joven catedrático de filología clásica de la Universidad de Basilea y el maduro artista del Idilio de Sigfrido, residente por entonces en el cercano y paradisíaco Tribschen-, dos de las personalidades que más han incidido sobre la historia contemporánea de la cultura occidental. De esa relación proceden la Exhortación a los alemanes, del otoño de 1873, y la Cuarta consideración intempestiva: Richard Wagner en Bayreuth, de 1876, acaso el mejor ensayo de conjunto sobre el controvertido compositor. Los dos textos restantes son de 1888, el último año de vida lúcida del filósofo, y responden a circunstancias diametralmente opuestas: con dúctil escritura de acelerado ritmo, El caso Wagner y Nietzsche contra Wagner trazan los argumentos cruciales de una crítica radical que desenmascara los puntos débiles de esa empresa tan exitosa como ambigua, impregnada de decadente romanticismo, germanismo idealista, edulcorado cristianismo y mendaz teatralidad. La introducción, las notas y la cronología de esa tensa y decisiva experiencia sitúan las diferentes tesis, aparentemente tan contradictorias, de estos ensayos en su inequívoco marco de gestación, un proyecto filosófico que tiene como meta transvalorar todos los valores que sigue arrastrando nuestra tradición.

"Escritos sobre Wagner"
Friedrich Nietzsche
Biblioteca nueva, 2003
ISBN: 9788497420983


"Los géneros musicales y la cultura de las multinacionales"

Este libro explora el funcionamiento de la industria musical siguiendo la relación, a menudo complicada, entre las multinacionales del ocio y los artistas que contratan. Keith Negus examina las estrategias opuestas de compañías tan importantes como Sony y Universal a la hora de administrar diferentes géneros, artistas y empleados, y se enfrenta a varios mitos de la cultura de las multinacionales. ¿Cómo afectan las compras de las compañías al tratamiento de los artistas? ¿Por qué PolyGram era considerada demasiado europea para atraer a los artistas norteamericanos? ¿Por qué y cómo intentó EMI Records cambiar su cultura empresarial? 

A través del estudio de tres géneros fundamentales --rap, country y salsa-- Negus investiga por qué la industria musical reconoce y recompensa ciertos sonidos, y cómo influye eso tanto en la creatividad de los músicos como en su público. También analiza por qué algunos artistas son objeto de una gran promoción internacional mientras que otros no, y cuál es el trayecto que siguen algunos sonidos para llegar a ser etiquetados como "música del mundo". 

A partir de una exhaustiva investigación llevada a cabo en Gran Bretaña, Estados Unidos y Japón, y también de entrevistas con los empleados de la industria musical, el libro muestra cómo las compañías discográficas y las estrategias empresariales de las multinacionales condicionan la creación, la circulación y el consumo de la música popular, pero concluye que ésta, como parte de una cultura más amplia, jamás podrá someterse al control absoluto de las grandes multinacionales.

"Los géneros musicales y la 
cultura de las multinacionales"
Keith Negus
Paidós, 2005
ISBN: 9788449317881




martes, 5 de febrero de 2013

Menu 05 Febrero





Entrada: "Correspondencia general" Charles Baudelaire

Vino de la casa: "Proust Músico" Jean-Jacques Nattiez

Plato Principal: "París canalla" Maurice Sachs

Postre: "Sobre Francia" Émile Cioran


"La lucidez es el resultado de una mengua
de vitalidad, como cualquier falta de ilusión. Darse cuenta
de algo va en contra de la vida; tenerlo claro, todavía
más. Se es mientras no se sabe que
se es. Ser significa engañarse."

E.M. Cioran

"Correspondencia general"

El foco del teatro baudelairiano no pone en juego la inquietud elegíaca del moderno atormentado, o mejor, la pone en juego para burlarse. Está disperso en la obra, en el artificio del hashchis, en la materialidad radiante de Las Flores del mal, en la condensación escénica de los poemas en prosa. Esa difusión teatral que ocupa también la vida de Baudelaire, recorre y alumbra la correspondencia. Teatral escribiéndole a Ancelle, su tutor, en la delicada conversación que Baudelaire entabla con él desde el rencor juvenil hasta la amistad de los años maduros, en las cartas a Vigny, a Sainte-Beuve, a propósito del sillón vacante en la Academia y la intriga, el ritmo cómico y conspirativo de Baudelaire por ocuparlo, teatral con Madame Sabatier, teatral con los críticos, los editores, la Emperatriz, los acreedores, la comunidad literaria, en el juicio, después del juicio, en Bruselas, con la banda de Hugo, teatral acerca de la enfermedad y en la enfermedad. Las cartas ponen de cerca, en un plano iluminado, lo que queda de los relatos biográficos, las figuras históricas que recorre Benjamín, los actores del Segundo Imperio, el Baudelaire heroico y santificado de Gautier, de Banville, de Valéry, después el de Porché, el más íntimo de Asselineau, de Nadar, de Crépet, el Baudelaire de Pichois.
Baudelaire es un costumbrista atento, analítico, ve los usos y detalles desde adentro, en un relieve de precisiones materiales. El hábito en los cuerpos, en las voces. En densidades variables de volumen y color, y a una gran velocidad de transición escénica. Baudelaire escribe en la experiencia. "La alegoría barroca veía el cadáver desde afuera -escribe Benjamín-, Baudelaire lo ve por dentro".

Este es el centro de su convicción teatral. En la correspondencia, Baudelaire distribuye papeles: el uso de la seducción, del interés, la intimidad, la cortesía, los tonos de conversación amistosa, y el humor y la ironía, la difamación, una política de choque con las mistificaciones de la cultura, los espejismos de bazar.


"Correspondencia general"
Charles Baudelaire
Ediciones Paradiso, 2005
ISBN 9789879409534

"Proust músico"


“La mayoría de los lectores de Marcel Proust quedan impresionados por los sensacionales fragmentos sobre música que salpican En busca del tiempo perdido, así que al admirador y al lector no profesional de Proust debe de resultarle una sorpresa considerable que ni ‘la frasecita de Vinteuil’ ni el Septeto de Vinteuil hayan sido identificados nunca como una pieza musical de verdad, y más aún no haberla oído nunca. Un libro interesante, Proust músico, del musicólogo canadiense francófono Jean-Jacques Nattiez, analiza en detalle lo que para mí siempre ha sido una tesis muy convincente: que la música desempeña tal vez el papel individual moldeador y formativo más importante que cualquier otra de las artes en la novela de Proust.”
Edward Said.
Elaboraciones musicales.


"Proust músico"
Jean-Jacques Nattiez
Gourmet Musical Ediciones, 2009
ISBN: 978-987-25614-1-3



"París canalla"

¿Cómo era la vida en París en los años veinte, en la que se consideraba entonces la capital cultural del mundo? ¿Qué cambios se produjeron en la vida cotidiana y social? Es la época del jazz, del cubismo y de las audacias sexuales, de los actos gratuitos y de los suicidas sin razón, de los primeros happenings y del cine...

Maurice Sachs, asiduo del 'Boeuf sur le toit', célebre local que fue bar, cabaret, restaurant, y sobre todo lugar de encuentro animado por Jean Cocteau, nos propone una inmersión en la fenomenología social y cultural de aquella época, con personajes que ocupan un lugar preeminente en la sociedad parisina: escritores, pintores, músicos...

De la mano de amigos como Maritain, Chanel, Cendrars, Gide, Jacob o Cocteau, entre otros, Sachs nos acerca a los acontecimientos que le tocó vivir y que marcaron, sin lugar a dudas, a generaciones posteriores.


"París canalla"
Maurice Sachs
Trama Editorial

"Sobre Francia"


«Era la época de la guerra. Cioran estaba en París. Escribió con grandes trazos 1941 en su manuscrito, que tituló Sobre Francia, pensando en los moralistas del siglo XVIII, tal vez presintiendo ya que un día sería uno de ellos. ¿Acaso no esbozó su retrato premonitorio cuando los comparó con los grandes creadores extranjeros? Extraño libro, éste. Aunque aparentemente dedicado a la decadencia de Francia, es en realidad un himno a ella. Cioran escribió, aún en rumano, pero en Francia, una oda a ella, amada incluso en su caída, que no podría carecer de grandeza, por lo muy grande que fue. ¿Eran Inglaterra, Alemania, la propia Rusia, más fuertes? Seguramente, pero su corazón latía por Francia. El Cioran nuevo llegó tan deprisa, tan bruscamente, que nos preguntamos qué misterio puede ocultarse tras esa fecha: 1941.» 
Alain Paruit
"Sobre Francia"
Émile M. Cioran
Ediciones Siruela, 2011
ISBN: 978-84-9841-432-5






sábado, 2 de febrero de 2013

02 febrero 2013











"Las tetas de Tiresias"

Las tetas de Tiresias (Les Mamelles de Tirésias) es una obra de teatro surrealista de Guillaume Apollinaire estrenada en el Teatro Renée-Maubel de París el 24 de junio de 1917, dirigida por Pierre Albert-Birot, con música de Germaine Albert-Birot y escenografía y vestuario de Serge Férat.
Max Jacob dirigió los coros.
El autor se inspiró en el mito del adivino tebano Tiresias para invertirlo y realizar una actualización de tintes provocadores, feministas y antimilitaristas.
Cuenta la historia de Teresa, que cambia de sexo para obtener el poder entre los hombres. Su objetivo es alterar las costumbres, rechazar el pasado y establecer la igualdad de sexos.
Apollinaire subtituló la pieza drama surrealista, dando lugar a la designación que pasaría a ser la de uno de los movimientos artísticos y literarios más significativos del siglo XX. La portada del programa del estreno era un dibujo de Pablo Picasso.
El estreno de la obra, abundante en travestismos, juegos de palabras y salidas de tono, constituyó un escándalo además por sus alusiones pacifistas en plena Primera Guerra Mundial (en la que, sin embargo, Apollinaire había luchado y sido herido), que hacía sospechosa de pangermánica toda conducta de este tipo.
"Las tetas de Tiresias"
Guillaume Apollinaire
Traducción de Jorge Fondebrider
Gog Y Magog, 2010
ISBN: 9789509704527


"Los vasos comunicantes"


Los vasos comunicantes son aquellos que restablecen la unidad entre el mundo de la vigilia y el del sueño. Lo importante es «retener de la vida despierta lo que merece ser retenido». Por eso el sueño libera, exhibe, crea, borra la noción del tiempo y provoca una «conspiración de silencio y de noche» en torno al amor. El sueño sobrepasa la realidad y restituye la presencia de los seres amados y ausentes. La mujer, enigmática y evasiva, aparece envuelta en melancolía y soledad. Los lugares, los objetos, las personas cobran sentido auténtico al animarse por la afectividad evocadora e irracional del poeta. Y es éste el que vuelve a colocar al hombre en el corazón del universo. En este libro, André Breton pretende demostrar que el mundo real y el del sueño son el mismo; examina las diversas teorías de interpretación del sueño y se detiene principalmente en la propuesta por Freud. Pero para Breton la unidad del sueño y de lo real tiene su raíz en una transformación social. Sin embargo, eso que él busca más allá de la revolución es «el destino eterno del hombre».
"Los vasos comunicantes"
André Breton
Ediciones Siruela, 2005
ISBN: 978-84-7844-869-2


"¿Qué es la Literatura?"


Europa acaba de salir de la Segunda Guerra Mundial y Francia está particularmente devastada por los efectos de la misma. Sin embargo, no es una época de crisis social y política, exclusivamente, el arte también ha sido cuestionado con relación a su papel y pertinencia. Sartre, consciente de su compromiso histórico decide asumir el problema de la literatura, considerándola a partir de tres preguntas básicas: qué es escribir, por qué escribir y para quién se escribe. El resultado: un texto complejo, polémico pero, sobretodo crítico.

El autor no está interesado en hacer una discusión sobre el arte, si esta no apela a la sociedad en su conjunto, si no apela a la manera en la que el hombre y su libertad se relacionan con ese mismo arte. De esta forma, la reflexión sobre el papel del escritor, es al mismo tiempo la reflexión sobre la revolución, sobre el ejercicio político, la burguesía, la historia, etcétera. Sartre desea mostrar cómo la literatura es también una cuestión de compromiso e impugnación; y por ello, en buena medida, se esbozan aquí muchas ideas que utilizará posteriormente con respecto a los intelectuales y a los problemas políticos de su tiempo: el colonialismo, las disputas bélicas, entre otros.

La tesis sartrena de la literatura puede expresarse acertadamente de la siguiente manera: literatura es la subjetividad de una sociedad en constante revolución. Se trata de una subjetividad societal puesto que no se buscan las creaciones particulares, las subjetividades de este u otro autor, sino la consecución a partir de sus trabajos de una imagen mucho más amplia del tiempo y la situación histórica; pero al mismo tiempo es una sociedad en constante revolución; una sociedad que no sólo apuesta a la negatividad crítica, sino también a la construcción, a la síntesis del ser/hacer/tener.

Con rigurosidad, con argumentos, Sartre examina los problemas del público real y el público virtual, las contradicciones del espíritu de análisis propio de la intelectualidad burguesa, su noción de hombre total en el arte, las particularidades del papel del escritor en la Francia de los siglos XII, XVII, XVIII, XIX y, con especial énfasis, la del siglo XX, ahonda en su idea de la literatura de las grandes circunstancias y en cada apartado, en cada palabra, demuestra porque fue considerado en su época el último gran pensador de nuestros tiempos. La edición cuenta además con la presentación que hizo Sartre a Les Temps Modernes y de rescatar el ensayo La Nacionalización de la Literatura en la que el autor considera aún más a profundidad las implicaciones de ser un escritor, de ser el encargado de volverle la dignidad a nuestro lenguaje.

 Alejandro Jiménez
"¿Qué es la Literatura?"
Jean-Paul Sartre
Losada
ISBN: 9789500395854



"Las flores de Tarbes o El Terror en las Letras"


      «El pensamiento tiene su cara oscura, como La Luna: es asunto de las palabras iluminarlo y no hay observación sobre la lengua, por escueta que sea, que no pueda servir para responder a la vieja pregunta: ¿Qué pensamos cuando no pensamos en nada?»
Jean Paulhan

En las épocas de Terror, dice Paulhan en Las flores de Tarbes o El Terror en las Letras (1941), a los hombres se les exige la pureza, y se toman más en consideración las obras que las personas. Los escritores que después de cien años temen la contaminación de las palabras, aspiran, huyendo de expresiones tradicionales, lugares comunes y clichés, a traducir sus pensamientos en un idioma nuevo que no los traicione.

Prohibiéndose entrar en el jardín la Letras con las flores de la Retórica, los terroristas, por tanto, huyen sobre todo de los géneros. Quieren novelas no novelescas, teatro no teatral y poesía no poética. Huyendo de lo conocido, aspiran a lo nuevo, alumbran monstruos. Es el Terror. Frente a los terroristas se alzan los mantenedores, que no repudian aquella vieja Retórica. De este duelo sale la literatura exangüe. Triunfa, como es sabido, el Terror en las Letras, pero el insuperable temor al artificio terminará conduciendo a los terroristas a un callejón sin salida. ¿El remedio? Recrear una Retórica, usar el brillo de las palabras para que éstas pierdan su brillo y hacer que los espejos dejen de jugar a ser alondras. Se prohíbe de este modo entrar sin flores en el jardín de la literatura. 

La flores de Tarbes se hace eco de ese combate, lo describe como si no le afectara, pero no deja de saberse implicado en él hasta el punto de vislumbrar su propio fracaso. Se empeña así en una tarea sin fin, de la que ni siquiera sabe si ha podido comenzar. De ahí sus últimas palabras, que cierran el misterio de las Letras: “Digamos, después de todo, que no he dicho nada.”
"Las flores de Tarbes
o El Terror en las Letras"
Arena Libros, 2010
ISBN: 84-95897-78-7

viernes, 1 de febrero de 2013

Menú 01 Febrero







Plato Principal: "Frío de Rusia" Ricardo Strafacce





"El gobierno civil, en la medida en 
que es instituído en aras de la
 seguridad de la propiedad, es 
en realidad instituído para defender
 a los ricos frente a los pobres o a 
los que tienen alguna propiedad contra
 los que no tienen ninguna" 
Adam Smith

"Política de la inmortalidad"

Conocido a principios de la década de los noventa por sus ensayos sobre la historia intelectual de la Rusia soviética y postsoviética, Boris Groys se convirtió poco más tarde en una referencia ineludible por sus intervenciones acerca de la filosofía y el arte contemporáneo, y ha sido considerado como uno de los más lúcidos ensayistas de la actualidad. En las cuatro conversaciones que componen esta obra, Groys aborda temas recurrentes de su reflexión: el arte y la producción cultural; los ritos y las estrategias de producción de la subjetividad y de la identidad cultural; la filosofía como competencia con los muertos, como preocupación del filósofo por el propio entierro; la fenomenología de la metafísica y la economía de las diferencias invisibles, de las diferencias sin diferencias, como respuesta a la filosofía posmetafísica del siglo XX. La obra concluye con una notable teoría de la sospecha, inspirada en la idea del "maná", que podría ser la base de una teoría contemporánea de la paranoia como fundamento de la existencia social. El habitus del filosofar de Groys -una mezcla de vigilancia, ascesis y desencanto, como una suerte de zen occidental- está así presente en este libro. 

"Política de la inmortalidad.

Cuatro conversaciones con Thomas Knoefel"
Boris Groys
Katz, 2008
ISBN 9789871283699

"La tercera fábrica" y "Érase una vez"

Víktor Shklovski, autor de una importante obra de teoría literaria y precursor del formalismo ruso, aparece en La tercera fábrica (1926) y Érase una vez (1964) como el protagonista de un conjunto de memorias donde se registra una época decisiva: las primeras décadas del siglo XX. Años de acción, años de revolución y guerras, años de grandes ideas en los que el genio no era suficiente para vivir: había que estar dispuesto a “meterse en la picadora de carne”.
¿Cómo escribir sobre esos años? ¿Cómo narrar el recuerdo de ese momento en que el individuo, finalmente, terminaría disolviéndose en un sueño colectivo? ¿Cómo afirmar que, detrás y por encima de todo, está la vida? El recuerdo de Shklovski es el de todo aquello que contribuyó a construir la vida, lo que se combina formando la fábrica de la vida, la "tercera fábrica": la familia, la ciudad de San Petersburgo, los hombres que marcaron la época –Maiakovski, Blok, Gorki, Lenin, los futuristas, los formalistas–, la revolución, el trabajo, la literatura, el mundo del arte, la incipiente cinematografía, las discusiones que se volvieron combates, la teoría que se volvió guerra.
En las dos obras que componen este volumen, traducidas del ruso al español en forma directa y completa, la conmovedora sensibilidad y el estilo preciso, personal y vigoroso de Shklovski envuelven al lector en el rumor de su tiempo, que encuentra en estas memorias uno de sus ecos más resonantes.


"La tercera fábrica"
"Érase una vez"
Víktor Shklovski 
FCE, 2012
ISBN: 9789505579167


"Frío de Rusia"

"Frío de Rusia es una novela escrita al ritmo vertiginoso de una conversación de bar. En la noche de un domingo de comicios en el que se celebra la irrupción recurrente de una nueva esperanza progresista, Hardoy, típico exponente del diletante porteño, conoce a Marta González, muchacha tan bella como crédula e impetuosa. Como una mamushka literaria, Frío de Rusia contiene varias novelitas dentro de sí, todas signadas por las conflictivas relaciones entre el amor y la política y comunicadas por los intrincados pasadizos de la invención. Como propone Ricardo Strafacce, el amor tal vez sea sólo un espejismo, pero es el único capaz de burlar a la muerte." 
Ariel Idez

"Frío de Rusia"
Ricardo Strafface
Blatt & Ríos, 2013
ISBN: 978-987-28565-6-4

"En la oscuridad. Relatos satíricos en la Rusia soviética (1920-1930)"

Entre los nuevos escritores cuya actividad literaria se gestó bajo el régimen soviético –y cuya obra no encaja, sin embargo, en los moldes de lo que conceptualmente se conoce como «literatura soviética»– se encuentran aquellos que componen la presente antología, con la única excepción de Yevgueni Zhamiatin, que ya se había dado a conocer en 1913 con su novela corta «Vida de provincia», y que fue el pionero de la literatura satírica bajo el nuevo orden, además de jugar un destacado papel como teórico en el campo de la técnica literaria y de la composición a través de las clases que impartía, con Víktor Shklovski, en la Casa de las Artes de Petrogrado.

La sátira, y en particular el relato satírico, cobra en los años veinte un espectacular desarrollo, propiciado por el clima de relativa tolerancia que caracterizó al período de la historia de la Rusia soviética conocido con las siglas NEP (Nueva Política Económica). En aquella década surgen numerosas revistas especializadas en las que se publican relatos y folletines cuyo punto de mira es la vida cotidiana, el ciudadano medio, el oportunista de nueva hornada, el burócrata, el secretario del comité local de turno, el 'nepman' (nombre que recibían los ciudadanos que medraban con la NEP), y otros muchos tipos de diversa catadura moral que componían el nuevo tejido social. Frente a la literatura ideológica de los llamados «escritores proletarios», la década de los veinte conoce otra literatura, innovadora y continuadora a su vez de la mejor tradición de los grandes clásicos rusos (en particular Gógol y Chéjov), entre cuyos nombres destacan, además de Zhamiatin, los de Mijaíl Zhóschenko, Ilf y Petrov y, con letras de oro, el de Mijaíl Bulgákov.

En contraposición al «héroe positivo» que los escritores 'proletarios' mostraban en sus obras, los escritores independientes ('popútchiki', compañeros de viaje) nos ofrecen un perfil distinto de aquella sociedad y del ciudadano medio, menos heroico y ejemplar –generalmente grotesco–, pero más cercano a la realidad. Muchos de los relatos de los años veinte y treinta poseen una gran actualidad y un innegable valor literario (algunos son auténticas obras maestras del género), además de constituir un valioso testimonio de la época, narrado con arte y concisión.

"En la oscuridad. Relatos satíricos en
la Rusia soviética (1920-1930)"
Bulgákov /  Zhamiatin / Petrov / Zhóschenko / Ilf
Editorial Trotta, 1997
ISBN: 978-84-8164-159-2


miércoles, 30 de enero de 2013

Menú 30 enero





Entrada: "Paliques" Volumen 1 y volumen 2 Eugenio d´Ors




"Tampoco me quiero tomar
 un cuarto y terminar cabalgando
con Gandalf"

Horacio González.

"Paliques"


“Palique” es el término que utilizó Eugenio d’Ors para titular la serie de artículos que, de forma casi ininterrumpida, publicó entre 1922 y 1929 en el semanario madrileño Nuevo Mundo, serie que ahora publicamos completa, en dos volúmenes. 
Con la “glosa” Eugenio d’Ors había inventado un género filosófico-literario capaz de servir para la interpretación y reflexión ágil sobre los acontecimientos del entorno cultural, político y social, y a la vez adaptado a las exigencias del género periodístico: brevedad en la extensión, precisión en el mensaje y actualidad el tema. En los Paliques, que habían de tener una periodicidad, no diaria, sino quincenal, buscó todavía una mayor agilidad; pero en ellos, lo mismo que en las glosas, la voz orsiana conversa con la actualidad para interpelarla. 
En los Paliques no se alumbran ideas nuevas respecto a los escritos orsianos anteriores, pero al conectarlas con otras realidades, éstas se matizan y ensanchan. En ellos se desarrollan sus ideas sobre el ensayo, sobre el oficio del periodista, sobre el concepto de cultura, de originalidad, de poesía o sobre el papel del historiador del arte.


"Paliques"
Eugenio d'Ors
Ältera, 2005
ISBN: 9788489779775 (Tomo I)
ISBN: 9788489779783 (Tomo II)

"Tres inmensas novelas"


En 1931, Huidobro había escrito en colaboración con Hans Arp, durante un veraneo en Arcachon, unos textos paródicos que se titularon Tres inmensas novelas, que fueron traducidas al español y publicadas en Chile en 1935. Huidobro, en una carta a Hans Arp, afirma que la experiencia de la coautoría le había parecido imposible hasta este momento. En la misma carta, Huidobro se adelanta a una parte de la crítica que, al valorar estas obras, las calificó de únicamente frívolas...


"Tres inmensas novelas"
Hans Arp / Vicente Huidobro
Mansalva, 2011
ISBN: 9789871474462

"Los cantos de Maldoror"


Libro inclasificable, maldito y legendario, Los cantos de Maldoror, publicado en 1869 en Bélgica en una pequeña tirada que nunca se distribuyó en librerías, fue una de las principales fuentes de inspiración del surrealismo, movimiento que lo rescató del olvido cincuenta años después de su publicación y de la prematura muerte de su autor, Isidoro Ducasse, más conocido como el Conde de Lautréamont.

En el límite entre la novela y la poesía en prosa, feroz y oscuro, el libro nos presenta a Maldoror, criatura tan demoníaca como humana, que reniega de Dios y del hombre. La violencia, el sadomasoquismo, la blasfemia, la obscenidad, los asesinatos aparecen una y otra vez en sus páginas, en la lucha de este personaje por destruir al Creador.

Un libro épico que propone una lectura épica: sumergirse en su vorágine es difícil y transformador. Ningún lector vuelve a ser el mismo después de enfrentarse a las terribles y reveladoras imágenes que contiene.
"Los cantos de Maldoror"
Conde de Lautréamont
Gárgola Ediciones, 2007
ISBN 978-950-9051-82-9